鬱鬱寡歡·悶悶不樂

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当记忆里那些长发、黑TEE、喇叭裤的嬉皮士仍在历史舞台上陶醉的时候，骤然清醒的我们会猛然发现自己已然置身数字时代的浩渺汪洋。数字化信息革命的浪潮正在大刀阔斧地改变着我们的生活方式，摇滚以及其亚文化生态圈自然也不可能置身事外。狂风骤雨的浪潮冲刷着世界的每一个角落，以迅雷不及掩耳之势打造了一个虚拟态空间，而其真实感却是毋庸置疑的。它迅速的蔓延，将资讯和信息传播到世界各处，无垠广漠的平台让无数摇滚乐队和音乐走向世界，一时间，大批的摇滚乐队开始活跃，成倍的摇滚乐受众以近乎疯狂的递增比例成长。摇滚文化因为此番飓风的席卷得以上升至空前的繁荣。

然而正当乐队、唱片公司、发行商们欣喜于此的同时，他们也开始面临一个从未有过的巨大危机。从Mp3.com的出现，到P2P软件的泛滥，最后到ipod占据市场份额70%，一个又一个标志性事件让数字洪流充斥音乐市场。数字音乐以其方便快捷、长效无损的巨大优势，令传统的唱片文化行业几十年构筑的辉煌宫殿在短短几年间土崩瓦解，盈利的骤然跌落让这个原本暴利丰厚的单产业不得不向外拓展，收拢其周边产业并形成产业链模式盈利的综合效应。出唱片的盈利远远不及于广告代言和演出收效。于是乎，唱片公司纷纷转型成艺人经纪、形象代言、主办演出以及引进版权等多方位立体营运模式。而本就平庸无比的摇滚市场在这股数字浪潮的洗礼之后，陷入无比低落与阴霾之中。

红星、魔岩、拍案的相继落败，让主流摇滚唱片市场信心萎靡，唱片公司几乎都不愿意再将大把大把的资金投入唱片运作。于是，尾随着西方唱片运作历史的规律，中国摇滚音乐开始逐渐转入地下制作与独立发行的时代。尽管沈黎晖聪明的把握转机，成功商业运作摩登天空，不过那已经是后话了。而不同于西方市场的是，国内的地下发行的鼎盛是基于主流市场遭遇巨大冲击而产生，虽然内容敏感，审批困难也是不可小觑的问题，但社会主义市场经济的杠杆终究是成就这一现状的最大力量。

凭借资金投入少回流快，制作成本与商业风险低廉，内容限制宽松等诸多优势条件，独立厂牌纷纷诞生，借用强大的网络媒介力量发展受众，宣传销售。让无数摇滚乐队再次看到成功的契机与希望。在厂牌运作资金相对轻松的情况下，能保持更多的优秀乐队及作品流向市场，这无疑是在巨大的灾难面前寻找到一支救命稻草，投入与产出比例的相对均衡，令摇滚唱片文化得以喘息生存。而这些独立厂牌，就如暴风骤雨里飘摇的林木，尽管艰难，依旧树立。

而说到这里，我必须重申的一个观点，也就是这个讨论基于的前提，就是摇滚音乐必须有属于自己的包装运作以及商业运营。这不是说音乐本质的创作需要商业化，而是在不违背作者意愿的前提下，尽最大可能通过商业运作手法来将音乐推向市场。我们必须抛开陈腐的观念，所谓的完全地下拒绝商业的想法，幼稚且脆弱。因为不遵循市场经济的客观规律，就会让优秀而杰出的作品被漠视遭掩埋，永无天日。说靠做音乐发家致富或许在目前尚且谬诞，但收支平衡解决温饱的必要还是最低的目标的。毕竟没有面包，一切都是虚幻。

尽管事情看起来有了些许好转，然而，独立厂牌在生存之余不得不考虑到更多复杂的问题，毕竟我们不是仅仅为了存活，而是希望活得精彩。

就像数字浪潮的侵袭既带来了传播效应，也带来了经济冲击，如莎士比亚说，雨后开窗，既迎来了清新的空气，也会有讨厌的蚊蝇。独立厂牌低廉的制作成本也是一把双刃剑，尽管解决资金负担，减轻了运作压力与商业风险，但是注定其产品的品质是与大投入无可相媲的。在大多数时候，制作、美编、发行、营销都由几个甚至一个人完成，在劳动成本与制作成本的相对高度，我们无法苛求这样的产品做到印刷刻板设计装帧的顶级要求。

而对于摇滚音乐人来说，在依靠版权获取利润这条路显然不足以负担沉重的生活来源。于是乎，唱片发行仅仅成为了一种宣传的手段和方法，它仅仅作为一种标志和名片存在于世，更多的利润来源，无论是乐队或者厂牌，都必须将眼光投向这个产业链的最终端——演出。

演出之所以被视为终端，是因为它本身的很多特点。首先，演出是不可被复制的，即便是视频录像，那种感受也是不同的，其次，演出的直接与互动能让受众产生巨大的共鸣能量，最后，乐队通过现场的演出成长蜕变，积累经验并且聚集人气。所以中国当下最为著名的演出场所Mao Live House老板李赤曾说：“以前的中国摇滚乐一上来就被捧到一个不可企及的高度，但它是虚的，而现在是实的，这需要一个时间，也需要真正的有消费习惯的观众群体去习惯。对于乐队来讲它需要这样的体系来锻炼自己，去提升自己的水准。它是一个合理的，可以长期持续发展的一个体系。”

而我们的独立厂牌如果想要在浪潮中成功逆转，成为弄潮儿而不是随波逐流的漂流木，那么我们就必须面对一些非常实际的问题，如何在数字时代做好整体产业营销？

首先“客户导向”的观念变革需要我们去思考如何理解这样的商业模式，思考如何使音乐以及周边产品为受众消费从而带来价值增加，同时从消费群体的特质和行为特征出发来不断增加对乐队本身的了解程度和互动影响力以获取更强竞争优势。那么厂牌就担任起一个营销服务机构，如果能在了解特定的目标受众的特质和行为模式和理解追寻价值的基础上协助乐队进行策略研判将会为整体的唱片业务成功增添机会把握度。也就是说，首先必须对市场有一定分析和研究认识，并且针对不同风格的受众做出一个策划方案。开辟独特的营销模式。因为不同音乐风格的受众，其特质与行为特征是有明显区别的。例如金属乐迷和民谣爱好者，对于现场的以及周边产品的要求是显然不同的。必须从细节做到受众满意。因为，现在的独立厂牌并不仅仅是发行商了。

接下来就涉及到如何有效利用资讯技术来增进乐队与其受众的了解沟通。独立厂牌往往都有非常发达的网络销售渠道，因为缺乏实体店铺的连锁运作，因此这样的运作模式其实对于厂牌负责人都是非常熟悉的。如何将互联网的最大威力发挥出来，让优秀的乐队和作品在这个虚拟世界里产生偌大的雪球效应，是我们必须学习和研究的问题。毕竟，极大一部分受众是通过网络媒介了解资讯并从而产生兴趣的，在主流媒体支持力度尚不够强势的今天，我们要做的首先是必须将网站的数据和绩效进行采撷与评析，并尽可能从中获取最大的信息，把握市场能量移动的方向，尽最大可能借用网络效应，营造一个热烈的氛围，为推出优秀的音乐做好准备，并且从另一方面扶植起市场内买卖双方脆弱的信心。很多厂牌现在都比较忽视网络宣传的作用，缺乏整齐的官网，甚至连LOGO都不作，这无疑是对自身品牌价值的不重视。

最重要的一点，自然是品质与技术。我们不是要拿一些粗制滥造的东西来忽悠人，因为我们不是超男超女，也不是美国选秀。我们要推崇的是真正有内在品质和深度的音乐与音乐人。这一点是摇滚精神的精髓，是不可悖离的。只有从制作到演出，每一个细节都严格要求甚至严苛要求，才能从根本上挽救如今音乐主流化的恶潮。运作包装的商业化，并不代表需要吞噬掉原有质感和内涵。所以从最细微初要求，是保证出品精度的根本。无论是唱片或者演出，都务求尽善尽美，大不可潦草完事。现在越来越多的独立厂牌开始关注终端发展，组织全国巡演，并且伴随现场售卖周边产品，这说明我们这个行业已经开始意识到终端发展的重要性。不过在这之中，如何与酒吧协商合作，打造一个良好的演出环境，仍旧亟待解决。因为演出的质量如果不高，因为设备的故障而导致乐队被受众唾弃，有甚者可能会波及厂牌在观众心目中的形象地位，这样的无形资产损失是任何一个老板也负担不起的，因为，是观众在为我们的生存买单。

最后，在有效的策略和技术支撑完备后，独特创意的发展与执行就成为沟通成功的关键要素，如何创意设计声、光、影的制作和过程去诱发受众的注意、兴趣和欲望、进而行动，帮助促销和品牌讯息顺利散播来达到营销目的。这一点，也正是沈黎晖最为成功的一点。从摩登天空旗下数不胜数的乐队来看，我不得不佩服沈黎晖的手段高明。他彻底的研习透彻了观众的想法，把一切能吸引人们眼镜与耳朵乃至感官刺激的因素，通通掌握在手里，从而诱发了大批主流群体的受众跨越临界点而投奔摇滚。有人说，他做的太商业化。不错，但商业化的另一个意思也就是得到了大多数人的认同。如果要死磕的朋友，麻烦自己呆一边去玩吧。我们不是要把每个乐队都做成视觉系摇滚，但是不可否认的是，视觉上的冲击元素是乐队必须掌握的制胜法宝。如何出奇制胜，我们必须针对个体来相对研究，不可一概而论，墨守陈规。噱头，有的时候未必就一定是消极的。

从一个非主音乐下载赏析站点转化成一个独立厂牌团体，奇幻音域走过了几年风雨。看着越来越多的网站如雨后春笋般孳生，看着当下网络无损格式音乐泛滥，我感慨颇多。希望国内的独立厂牌能摸索出一条更加明朗的前进道路，为了我们屹立不倒的摇滚旗帜，在数字浪潮的翻滚中，继续倔强的摇曳，画出美丽的弧线。